INTERVIEW WITH ANGONA METAL BAND

      INTERVIEW WITH ANGONA METAL BAND

Creators of Alaturka Metal, now at the frontier of progressive metal

(Answered by: Utku Arslan, vocalist and founder of Angona Metal Band)

Utku of Angona Metal Band greets the audience.

*Léelo También En Español Al Final De La Página 

🎙Mariana: How did the idea of founding a metal band emerge in a country with such strong traditions as Turkey?

💥Angona: Hello. First of all, thank you for your appreciation of Angona and for the opportunity to do this interview. Actually, metal is a culture in itself. In other words, beyond a country’s traditions, its own culture is completely universal. So the answer lies in the power of metal, the sense of freedom it provides, and its capacity for rebellion. I could certainly extend this list further. Metal is a culture and a perspective in its own right.

Utku Arslan

🎙Mariana: The band was initially founded in 2007. What led you in 2011 to reorganize it and change its name (since it was originally Langona)?
💥Angona: The journey we began in 2007 under the name Langona was actually in the Death/Thrash metal style. Around 2010, the band experienced some problems and took a break for about a year. During that time, together with our friends, we set out to discover a style we called Symphonic Alaturka Metal. We decided to pursue this direction and wanted to change several things. In fact, Langona and Angona refer to the same animal in Turkey. It is a small change, but the meaning remains the same. That is why we felt the need to completely change our style, logo, and name.
     

Tuna Chill

🎙Mariana: Angona is a pioneering band in the symphonic alaturka metal genre. What challenges do you face when blending such different timbres, especially since this style incorporates instruments like the bağlama or the ney?
💥Angona: Actually, we can associate this style with folk metal and oriental metal. It comes from the same family but includes different elements, such as a metalcore structure, symphonic foundations, and the fact that Alaturka performances are not disconnected from the song. In other words, while a heavy riff is being played, an Eastern-based melody runs underneath. Synthesis is generally difficult, but the additional challenge of this style is achieving that integration. Western musical scales and Turkish musical scales are used differently. Some notes found in Turkish music do not exist in Western music, so special attention must be paid during performance. And, of course, the mixing and mastering processes can be even more exhausting than usual, because correctly blending instruments that sound completely different requires highly professional work.

Tuna Tatli

🎙Mariana: What challenges do Turkish metal bands face when trying to reach an international audience?
💥Angona: The main problem is economic. When you buy an instrument or recording equipment, you pay much more for it. Recording opportunities in studios also vary depending on the city and can even be limited. In a large city, you need strong resources. Beyond that, the chances of earning money by performing metal music are very slim. There are very few bands of this kind in Turkey. Many bands spend their own money to make a name for themselves. To give Angona as an example, Angona handles its own mixing and mastering, records its own tracks, shoots its own music videos, designs its own album covers, and builds its own website. In short, everything Angona does is carried out by the band members themselves. Unfortunately, in Angona a musician cannot be only a musician; they inevitably have to take on other responsibilities as well.

Mert Imanci

🎙Mariana: Which bands or artists, both from international metal and local music, have influenced your sound the most?
💥Angona: Frankly, there are many local bands we respect, but no local band has influenced our direction. We love many local bands and try to support them within our own small circle. Of course, many internationally renowned bands have influenced our music. Since we recently began playing Progressive Groove Metal, I can mention the bands that influenced us in this phase, including Machine Head, Pantera, Parkway Drive, and Bleed From Within.

🎙Mariana: Regarding the band’s songwriting process, who participates in composing the songs? Do you usually start with the lyrics or the music, and which songs best represent you as a band?
💥Angona: I will not talk about our old style when answering this question, because when we were performing Symphonic Alaturka Metal, the composition process was more complex. Since we switched to Progressive Groove Metal, I write the compositions and lyrics. Of course, my bandmates contribute greatly during the recording process. That is why, in the end, the Angona song comes together as a collective result. It does not matter who originally composed it.

Ata Ozcan

🎙Mariana: Which Angona song has the strongest impact on audiences during live performances?
💥Angona: We recently released our EP Ashborn. Including the intro, it consists of six songs, and the music video we shot for “Mold Stench” stands out the most. We believe it is a powerful song that connects us with the audience during live performances. Besides that, I would place “Echoes of Rage” in second position.
   

🎙Mariana: The title The Harmony of Differences suggests the union of opposites. What specific “differences” were you trying to reconcile musically or culturally in this EP, and what was the greatest challenge in achieving that balance?
💥Angona: The Harmony of Differences was our first project as Angona. Of course, there were challenges. It was our first time recording an album, and we lacked experience. However, I believe it was one of our most meticulous works within the Symphonic Alaturka style. All band members were focused on the album and worked on it every day. If we had been more experienced, the album could have been much more impressive. Nevertheless, the experiences we gained gave us many beautiful memories. When we look back, we are proud of what we achieved.

🎙Mariana: A.T.A. (EP 2013) marked a stage of consolidation for Angona within the underground metal scene, and its title carries a strong symbolic meaning. What specific meaning did you give it, and what does this EP represent within the band’s artistic identity?
💥Angona: Actually, this album was our first attempt to perform Symphonic Alaturka in our own language. The album includes both covers and original compositions. In that sense, it is a special album for us. We also used an instrument called the kanun on this album, which is not typically used in metal music.

🎙Mariana: The EP Tanzimat (2015) is deeply connected to history and cultural transformation. What inspired you to develop this concept, and what meaning does it hold for you today within your discography, considering it is a conceptual EP very different from your other works?

💥Angona: This album features our most-streamed cover. “Eşkiya Dünyaya Hükümdar Olmaz” received significantly more streams than our other songs at the time. It still holds a special place for us. Additionally, the Tanzimat album was the first where we clearly heard the core riffs and groove structure. While integrating Symphonic Alaturka, the music evolved and changed. We began to witness that transformation through this album.

 

🎙Mariana: Ashborn is a very intense EP, both in sound and in its titles. What central concept or idea connects the songs in this work, and what does Ashborn mean to you as a band?
💥Angona: Ashborn is a very important project for us. First of all, the lyrics tell Angona’s story from beginning to end. When you listen to them in order, you can clearly understand the journey we began as Langona in 2007 and how it developed up to 2025. For us, Ashborn means rebirth. That is why we have also renewed our style and logo, as you know. We will move forward with a stronger sound and a more intense sense of rebellion. We want to involve the audience more in this project, which is why we will also embark on an international tour for Ashborn. We may visit many places in 2026.

🎙Mariana: What message would you give to young metal musicians trying to create something original in challenging scenes?
💥Angona: If they truly know they are original and are aware of it, they should never give up. They should continue on this path, learning something from each experience and building upon it. There may be good scenes or bad scenes, good recordings or bad recordings. Believe me, they will all teach something and lead to personal fulfillment. I do not have much to say about reaching the top in a social sense, but groups without a strong foundation have no chance of reaching the top socially. That is why they must put aside their egos and focus entirely on the music and the stage.

🎙Mariana: Which live show do you feel has been the best in the band’s history?
💥Angona: There are many memorable moments. Actually, the size of the venue does not really matter. However, the 2016 Zeytinli Rock Festival is very important to us. We were very excited, and I can still feel that excitement even after ten years.

 

🎙Mariana: Where would you most like to perform live that you haven’t yet? (Country, venue, or festival)
💥Angona: If we imagine completely full stands and spectators coming specifically for Angona, then a large festival in the United States, Germany, or South America would be a dream for us. Since it is a dream, I have not set any limits. Realizing this kind of dream is something many bands aspire to. I hope all the bands we love achieve their dreams, just as we hope to achieve ours with Angona.

🎙Mariana: What can we expect from Angona in the coming months? Is there new material on the way?
💥Angona: Angona is embarking on a Balkan tour. For now, we will visit two countries: Bosnia and Herzegovina and Serbia. Upon our return, a 10-track album and new concerts will be waiting for us. Our concert schedule is not very busy at the moment due to our album plans, but we will announce everything soon. In the meantime, a Turkish song titled “Av” will be released in February.



📀DISCOGRAPHY📀
📀Ashborn – EP –(octubre 2025).
📀Fade and Go – Single (2025).
2022
📀10th Anniversary – Compilation (álbum recopilatorio).
📀Devoted Roots – EP (2022).
📀Artık Yeter – Single (2022).
📀İlk Günah – Single (2022).
📀Kayıp – Single (2021).
📀Holocaust V – EP (2019).
📀 Mental Breakdown – Single (2019).
📀Parallel – EP (2017).
📀Tanzimat – EP (2015).
📀A.T.A. – EP (2013).
📀 The Harmony of Differences – EP (2011).

✨️Many thanks to Angona Metal Band for sharing their story and vision with Rockstar Interviews.

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📽VIDEOS:

VERSIÓN ESPAÑOL

🎙Mariana: ¿Cómo surgió la idea de fundar una banda de metal en un país con tradiciones tan fuertes como Turquía?
💥Angona: Hola. Antes que nada, gracias por su apreciación hacia Angona y por la idea de realizar esta entrevista. En realidad, el metal es una cultura en sí misma. Es decir, más allá de las tradiciones dentro del país, su propia cultura es completamente universal. Así que podemos encontrar la respuesta en el poder del metal, en la sensación de libertad que brinda y en su capacidad de rebelión. Podría extender esta lista aún más. El metal es una cultura y una perspectiva en sí misma.

🎙Mariana: La banda fue fundada inicialmente en 2007. ¿Qué los llevó en 2011 a reorganizarla y cambiar su nombre (ya que originalmente era Langona)?
💥Angona: El camino que comenzamos en 2007 bajo el nombre Langona era en realidad de estilo Death/Thrash metal. Alrededor de 2010, la banda experimentó algunos problemas y se tomó un descanso de aproximadamente un año. Durante ese tiempo, nos propusimos con nuestros amigos descubrir un estilo que llamamos Symphonic Alaturka Metal. Nos decidimos por eso y quisimos cambiar algunas cosas. En realidad, Langona y Angona se refieren al mismo animal en Turquía. Es un cambio pequeño, pero el significado sigue siendo el mismo. Por eso sentimos la necesidad de cambiar completamente nuestro estilo, logo y nombre.

🎙Mariana: Angona es una banda pionera en el género symphonic alaturka metal. ¿Qué desafíos enfrentan al combinar timbres tan diferentes, especialmente al incorporar instrumentos como el bağlama o el ney?
💥Angona: En realidad, podemos asociar este estilo con el folk metal y el metal oriental. Proviene de la misma familia pero tiene partes diferentes, incluyendo una estructura metalcore, bases sinfónicas y el hecho de que las interpretaciones alaturka no están desconectadas de la canción; es decir, mientras suena un riff pesado, por debajo corre una melodía de base oriental. La síntesis suele ser difícil, pero la dificultad extra de este estilo es lograr esa integración. Las escalas musicales occidentales y turcas pueden utilizarse de manera ligeramente diferente. Algunas notas presentes en la música turca no existen en la música occidental. Por lo tanto, hay que prestar atención a esto al interpretar. Y, por supuesto, los procesos de mezcla y masterización pueden ser incluso más agotadores de lo habitual, porque mezclar correctamente instrumentos que suenan completamente diferentes requiere un trabajo totalmente profesional.

🎙Mariana: ¿Qué desafíos enfrentan las bandas de metal turcas al intentar llegar a una audiencia internacional?
💥Angona: El principal problema es económico. Cuando compras un instrumento o equipo de grabación, pagas mucho más por él. Además, las posibilidades de grabar en estudios varían según la ciudad e incluso pueden ser limitadas. En una gran ciudad necesitas buenos recursos. Más allá de eso, tus posibilidades de ganar dinero tocando metal son muy escasas. Hay muy pocas bandas de este tipo en Turquía. Muchas bandas gastan su propio dinero para hacerse un nombre. Para dar a Angona como ejemplo: Angona realiza su propia mezcla y masterización, graba sus propias pistas, filma sus propios videoclips, diseña sus propias portadas y construye su propio sitio web. En resumen, todo lo que hace Angona lo hacen sus propios miembros. Lamentablemente, en Angona un músico no puede ser solo músico; inevitablemente debe asumir otras tareas también.

🎙Mariana: ¿Qué bandas o artistas, tanto del metal internacional como de la música local, han influido más en su sonido?
💥Angona: Francamente, hay muchas bandas locales que respetamos, pero ninguna ha influido en nuestro rumbo. Amamos a muchas bandas locales e intentamos apoyarlas dentro de nuestro pequeño círculo. Por supuesto, hay muchas bandas internacionales que han influido en nuestra música, pero como recientemente comenzamos a tocar Progressive Groove Metal, puedo decir cuáles nos han influido en esta etapa: Machine Head, Pantera, Parkway Drive y Bleed From Within.

🎙Mariana: Respecto al proceso de composición, ¿quién participa en la creación de las canciones? ¿Suelen empezar por la letra o por la música? ¿Qué canciones los representan mejor como banda?
💥Angona: No hablaré de nuestro estilo anterior al responder esto, porque cuando hacíamos Symphonic Alaturka Metal el plan de composición era más complejo. Desde que cambiamos al Progressive Groove Metal, yo escribo las composiciones y las letras. Por supuesto, mis compañeros aportan mucho durante el proceso de grabación. Por eso, al final del día, la canción de Angona se construye colectivamente. No importa quién la haya compuesto.

🎙Mariana: ¿Qué canción de Angona tiene el mayor impacto en el público durante los shows en vivo?
💥Angona: Recientemente lanzamos nuestro álbum Ashborn. Junto con su intro, es un EP de seis canciones, y el videoclip indiscutido que grabamos para “Mold Stench”. Creemos que es una canción hermosa que nos conecta con el público en vivo. Además, también pondría a “Echoes of Rage” en segundo lugar.

🎙Mariana: El título The Harmony of Differences sugiere la unión de opuestos. ¿Qué “diferencias” buscaban reconciliar musical o culturalmente en ese EP, y cuál fue el mayor desafío para lograr ese equilibrio?
💥Angona: The Harmony of Differences fue nuestro primer proyecto como Angona. Por supuesto hubo desafíos. Era la primera vez que grabábamos un álbum y nos faltaba experiencia. Sin embargo, creo que fue uno de nuestros trabajos más meticulosos dentro del ámbito del Symphonic Alaturka. Todos los miembros estaban enfocados en el álbum y trabajaron en él cada día. Si hubiéramos tenido más experiencia, podría haber sido mucho más impresionante. Pero aun así, las experiencias que vivimos nos dejaron hermosos recuerdos y cuando miramos hacia atrás, estamos orgullosos de lo que hicimos.

🎙Mariana: A.T.A. (EP 2013) marcó una etapa de consolidación para Angona dentro de la escena underground del metal, y su título tiene un fuerte significado simbólico. ¿Qué significado específico le dieron y qué representa este EP dentro de la identidad artística de la banda?
💥Angona: En realidad, este álbum fue nuestro primer intento de interpretar Symphonic Alaturka en nuestro propio idioma. Incluye versiones y composiciones originales. En ese sentido es un álbum especial para nosotros. Utilizamos un instrumento llamado kanun en este álbum, que no es habitual en el metal.

🎙Mariana: El EP Tanzimat (2015) está profundamente conectado con la historia y la transformación cultural. ¿Qué los inspiró a desarrollar este concepto y qué significado tiene hoy dentro de su discografía?
💥Angona: Este álbum incluye nuestra versión más reproducida. “Eşkiya Dünyaya Hükümdar Olmaz” tuvo muchas más reproducciones que nuestras otras canciones en ese momento. Aún ocupa un lugar especial para nosotros. Además, en Tanzimat fue la primera vez que escuchamos claramente los riffs centrales y la estructura groove. Al integrar el Symphonic Alaturka, la música evolucionó y cambió. Comenzamos a presenciar esa transformación gracias a este álbum.

🎙Mariana: Ashborn es un EP muy intenso, tanto en sonido como en sus títulos. ¿Qué concepto central conecta las canciones y qué significa Ashborn para ustedes como banda?
💥Angona: Ashborn es un proyecto muy importante para nosotros. En primer lugar, las letras cuentan la historia de Angona desde el principio hasta el final. Si las escuchas en orden, puedes entender el viaje que comenzamos como Langona en 2007 hasta 2025. Ashborn significa renacimiento para nosotros, por eso también renovamos nuestro estilo y logo. Avanzaremos con un sonido más fuerte y una rebelión más intensa. Queremos involucrar más al público en este proyecto, por eso también realizaremos una gira internacional de Ashborn. Podríamos visitar muchos lugares en 2026.

🎙Mariana: ¿Qué mensaje darían a jóvenes músicos de metal que intentan crear algo original en escenas difíciles?
💥Angona: Si realmente saben que son originales y son conscientes de ello, definitivamente no deberían rendirse. Deben continuar por ese camino, aprender algo de cada trabajo y construir sobre ello. Puede haber buenas escenas o malas escenas, buenas grabaciones o malas grabaciones. Créeme, todas enseñan algo y conducen a la realización personal. No tengo mucho que decir sobre alcanzar la cima en un sentido social, pero los grupos sin base no tienen posibilidades de llegar arriba socialmente. Por eso deben dejar de lado el ego y centrarse completamente en la música y el escenario.

🎙Mariana: ¿Qué show en vivo consideran el mejor en la historia de la banda?
💥Angona: Hay muchos momentos memorables. En realidad, el tamaño del lugar no importa. Sin embargo, el Zeytinli Rock Festival 2016 es muy importante para nosotros. Estábamos muy emocionados y todavía puedo sentir esa emoción incluso después de 10 años.

🎙Mariana: ¿Dónde les gustaría tocar en vivo y aún no lo han hecho? (País, recinto o festival)
💥Angona: Si imaginamos tribunas completamente llenas y público que viene por Angona, entonces un gran festival en Estados Unidos, Alemania o Bosnia y Herzegovina o Serbia podría ser un sueño para nosotros. Como es un sueño, no he puesto límites. Realizar este tipo de sueño es el sueño de muchas bandas. Espero que todos los grupos que amamos cumplan sus sueños en Angona.

🎙Mariana: ¿Qué podemos esperar de Angona en los próximos meses? ¿Hay material nuevo en camino?
💥Angona: Angona emprenderá una gira por los Balcanes. Por ahora visitaremos dos países: Bosnia y Herzegovina y Serbia. A nuestro regreso nos esperará un álbum de 10 canciones y nuevos conciertos. Nuestro calendario de conciertos no está muy cargado debido a los planes del álbum, pero anunciaremos todo pronto. Mientras tanto, en febrero se lanzará una canción en turco titulada “Av”.

INTERVIEW WITH FORREST HOWIE McDONALD

 INTERVIEW WITH FORREST HOWIE McDONALD

 A Life in Blues 

    Forrest Greeting To The Audience

*Léelo También En Español Al Final De La Página

         

🎙Mariana: How did your interest in music begin?
🎸Forrest: My father had a great record collection and would play Dixieland jazz albums along with blues by T-Bone Walker and Jimmy Witherspoon. I loved listening to those records—the crackle of the needle, the warm horns, the raw emotion in the voices. Then I heard Carl Perkins’ “Blue Suede Shoes” on the AM radio and dug it hard. After that, Dad returned from a trip to New York City and brought us two 45s: Elvis Presley’s “Hound Dog” and “All Shook Up.” The energy jumped out of the speakers. In 1956, The Benny Goodman Story was released and aired on TV in 1958, along with The Glenn Miller Story. Benny Goodman was dubbed the King of Swing, and I loved all of it. That music became my happy place. My mom could play acoustic guitar and had a beautiful voice. When I was 12, she got a guitar and would sing spirituals while strumming simple chords. That was the moment music felt close enough to reach—I had to try to learn it.

 🎙Mariana: Which bands and artists inspired you the most when you were starting out?
🎸Forrest: Sonny Terry & Brownie McGhee, T-Bone Walker, Muddy Waters, Lightnin’ Hopkins, the Paul Butterfield Blues Band, the Yardbirds, the Kinks, the Rolling Stones, John Mayall’s Bluesbreakers with Eric Clapton, and the Beatles. Those records shaped everything I wanted to do.

🎙Mariana: One of the first bands you were part of was The Ox Bow Incidents. What can you tell us about that stage of your career?
🎸Forrest: That was my first real band. We all had Beatle haircuts and wore Beatle Boots. I was very inexperienced—a total beginner on guitar. Before every performance, my face would flush red, and I’d get butterflies in my stomach so bad I thought I’d throw up. I stayed nervous for the first six months of playing live. But I was determined—convinced I would make it as a musician no matter what. I was terrible back then, but my attitude, sheer determination, and self-belief pushed me forward for the next 62 years. I had all the normal emotions that come with being in a band—especially meeting a lot of girls.

🎙Mariana: What impact did meeting blues legend Muddy Waters have on your career, considering he was one of your greatest influences?
🎸Forrest: Muddy took the time to talk to me, asked me questions, and introduced me to his band. That moment stuck with me. I told myself right then: if I ever get popular and someone I don’t know walks up wanting to meet me, I will take the time to embrace the occasion—just like Muddy did for me. It’s a promise I’ve kept.

🎙Mariana: Of all the songs you’ve written, which one do you feel represents you the most?
🎸Forrest: “Colorblind,” “I Wasn’t Looking for Trouble,” “Riding on the Blues Train,” “Blue Morning Sun,” “On Your Life’s Road,” “Take Me to the Country,” and “Only Moments” all have pieces of me in them. Each one carries a different part of my story, my heart, my road.

🎙Mariana: You have a very extensive discography. Which songs are your favorite to perform live?
🎸Forrest: “That’s My Baby,” “I Just Got In from Texas,” “Traveling South,” “Turnaround Blues,” “People I’m Hurting,” “Wish I May,” and “Through These Days.” Those tracks feel alive every time we play them—the crowd’s energy lifts them higher. 

     

🎙Mariana: Throughout your career you have collaborated with many renowned musicians. What does it means to you to be credited for the guitar solo on Bob Seger's famous song "Old Time Rock And Roll"?

 🎸Forrest: It’s a tremendously good feeling to be associated with Bob Seger’s biggest hit record. That solo gave me a permanent footnote in the 1% of successful musicians in rock history and instantly boosted my credibility as a guitarist. It’s one of those rare moments that still echoes.

🎙Mariana: Your participation in the Boston Rock Symphony in 1969 helped pave the way for your induction into the Boston Rock & Roll Hall of Fame in 2015. How did you experience that recognition, and looking back, what was the best part of being part of that group?
🎸Forrest: I actually read about my induction on the internet—it was a great feeling, a quiet shock of pride. Harmonica legend James Montgomery also was in the rock Symphony. During my time in Boston, I had friends in the J. Geils Band, Boston, and Aerosmith. Being in the same company as those bands is out of sight. The best part? Standing on stage with that kind of talent, feeling the music breathe and knowing I belonged there.

🎙Mariana: About Slingshot (formerly Wadsworth Mansion): How was it for you to rebuild a band together with musician Steve Jablecki after it had completely disbanded, despite having achieved Gold record status?
🎸Forrest: Steve Jablecki (author of “Sweet Mary”) and I regrouped in Hollywood the summer after Wadsworth Mansion broke up. We were both excited about writing together again. The producers knew he needed a solid shot of rock and roll, so they pulled me in to fill that spot. We had great writing chemistry and knocked out 43 songs together in two years. Back then, the Musicians Contact Service was the way to find players if you were new in town. We went through stacks of 5×7 filing cards—musicians’ names, addresses, phone numbers, styles, and experience—and found our drummer and bass player that way. We played the LA clubs: Starwood, Bill Gazzarri’s, and the Whisky. At Gazzarri’s, three bands rotated; one was Van Halen. We became friends and had a lot of laughs together. Eventually, after a killer night at the Whisky a Go Go on Sunset Boulevard, we landed a record deal with GRT Records.

🎙Mariana: Throughout your career you’ve taken part in extensive tours, for example with the Kathi McDonald Band along the West Coast, or with Bookends throughout Asia. For you, what distinguishes international audiences from local ones?
🎸Forrest: People in the U.S. may vary by region—Northeast, South, Midwest, West Coast—but they all share the same core culture. When I perform in another country, it’s exciting because the culture is different. In foreign lands, I soak in every nuance I can glean from my fans, the venues, the cuisine, the architecture, and the nature. It all feeds the music and makes every show feel like discovery.

🎙Mariana: In the mid-1990s you founded your own band, The Forrest McDonald Band. What was the best thing that happened to you as a band leader?
🎸Forrest: I got to headline the Coca-Cola Riverwalk Festival in 2001 in front of 200,000 people and the Melbourne Art Festival for 80,000 fans. Standing on those stages, feeling the roar of that many people—it’s the kind of rush that reminds you why you do this.

 

 

🎙Mariana:  Over the years you’ve performed at major festivals such as The Atlanta Blues Festival, King Biscuit Blues Festival, Bluesapalooza, among others. Which one did you enjoy the most?
🎸Forrest: The Atlanta Blues Festival was my favorite experience—I have it on film. Bluesapalooza was also a lot of fun. Both had that perfect mix of great crowds, killer vibe, and pure blues energy.

🎙Mariana: Is there any place where you haven’t played live yet but would love to?
🎸Forrest: Japan, Russia, South America.

🎙Mariana: What would you say to the new generation of blues musicians?
🎸Forrest: There are a lot of really good young artists out there who don’t need any advice from me. But if any of them ever had a question about my experiences, I’d embrace the conversation. Three standouts worth watching: Christone “Kingfish” Ingram,  Harrell “Young Rell” Davenport and Angel Ocasio Jr.

🎙Mariana: Looking back, what is the best or most incredible thing that has happened to you throughout your entire career?
🎸Forrest: The most incredible thing is that I was able to turn a dream—my musical vision—into a 62-year journey that motivated me to look for the good in life and not get caught in the negativity of the planet. Playing on “Old Time Rock and Roll,” recording 15 CDs, recording with Steve Perry and Bobby Womack, touring much of the world, meeting and jamming with almost all of my music heroes, and connecting with thousands of interesting people along the way—all of it is incredible. But the real magic is still playing, still feeling that spark, and knowing the road keeps going.
Thank you for the great questions, this was fun to revisit.
Keep the blues alive!

📀DISCOGRAPY📀

📀Blues in a Bucket (2020) World Talent Records
📀The Early Years with Steve Jablecki (2018) World Talent Records
📀Stand My Ground (2017) World Talent Records
📀Turnaround Blues (2014) World Talent Records
📀 Bob Seger’s Ultimate Hits (2011) Rock and Roll Never Forgets
📀Certified Blue (2010) World Talent Records
📀A Decade of Blues (2008) World Talent Records
📀Nothing Wrong with Dreaming (2007) World Talent Records
📀Colorblind (2004) World Talent Records
📀Fiona Boyes – Live in Atlanta (2003)
📀I Am Sam Soundtrack (2002) V2 Records
📀 Forrest McDonald Live (2002) World Talent Records
📀Finger Lickin’ Blues (2001) World Talent Records
📀 What’s It Gonna Take? (2000) World Talent Records
📀Spirit of the Blues (1999) World Talent Records
📀Under the Gun (1998) World Talent Records
📀On Fire (1997) World Talent Records
📀I Need You (1995) World Talent Records
📀Bob Seger’s Greatest Hits (1994)
📀Stranger in Town (1978) Bob Seger, Capitol Records
📀Roads of Life (1978) Bobby Womack, Capitol Records
📀Silver Platinum and Gold Live in LA (1977) Farr Records
📀Silver Platinum and Gold (1976) Farr Records
📀 Bad Bad Woman (1975) J.D. Reed and The Golden Gate Express, Infinity
📀The Righteous Rock of Roger Dollarhide (1975) Tom Cat Records
📀Wadsworth Mansion (1972) Buddah Records


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✨️Thank you Forrest McDonald for sharing so many wonderful things about your career with Rockstar Interviews.


📽VIDEOS

VERSIÓN ESPAÑOL

🎙Mariana: ¿Cómo comenzó tu interés por la música?
🎸Forrest: Mi padre tenía una gran colección de discos y ponía álbumes de jazz Dixieland junto con blues de T-Bone Walker y Jimmy Witherspoon. Me encantaba escuchar esos discos: el crujido de la aguja, los metales cálidos, la emoción cruda en las voces. Luego escuché “Blue Suede Shoes” de Carl Perkins en la radio AM y me atrapó por completo. Después de eso, papá regresó de un viaje a Nueva York y nos trajo dos sencillos de 45 rpm: “Hound Dog” y “All Shook Up” de Elvis Presley. La energía saltaba de los altavoces. En 1956 se estrenó The Benny Goodman Story y se emitió en televisión en 1958, junto con The Glenn Miller Story. A Benny Goodman lo apodaban el Rey del Swing, y me encantaba todo aquello. Esa música se convirtió en mi lugar feliz. Mi madre tocaba guitarra acústica y tenía una voz hermosa. Cuando yo tenía 12 años, consiguió una guitarra y cantaba espirituales mientras rasgueaba acordes sencillos. Ese fue el momento en que la música se sintió lo suficientemente cercana como para alcanzarla: tenía que intentar aprenderla.

🎙Mariana: ¿Qué bandas y artistas te inspiraron más en tus comienzos?
🎸Forrest: Sonny Terry & Brownie McGhee, T-Bone Walker, Muddy Waters, Lightnin’ Hopkins, The Paul Butterfield Blues Band, The Yardbirds, The Kinks, The Rolling Stones, John Mayall’s Bluesbreakers con Eric Clapton y The Beatles. Esos discos moldearon todo lo que quería hacer.

🎙Mariana: Una de las primeras bandas de las que formaste parte fue The Ox Bow Incidents. ¿Qué puedes contarnos sobre esa etapa de tu carrera?
🎸Forrest: Esa fue mi primera banda real. Todos teníamos cortes de pelo al estilo Beatle y usábamos botas Beatle. Yo tenía muy poca experiencia: era un principiante total con la guitarra. Antes de cada presentación, mi cara se ponía roja y sentía mariposas en el estómago tan fuertes que pensaba que iba a vomitar. Estuve nervioso durante los primeros seis meses tocando en vivo. Pero estaba decidido: convencido de que lo lograría como músico pasara lo que pasara. Era terrible en ese entonces, pero mi actitud, mi determinación pura y mi confianza en mí mismo me impulsaron durante los siguientes 62 años. Tenía todas las emociones normales de estar en una banda, especialmente conocer a muchas chicas.

🎙Mariana: ¿Qué impacto tuvo en tu carrera conocer a la leyenda del blues Muddy Waters, considerando que era una de tus mayores influencias?
🎸Forrest: Muddy se tomó el tiempo para hablar conmigo, me hizo preguntas y me presentó a su banda. Ese momento se me quedó grabado. Me dije a mí mismo en ese instante: si alguna vez me vuelvo popular y alguien que no conozco se acerca queriendo conocerme, me tomaré el tiempo para honrar ese momento, igual que Muddy lo hizo conmigo. Es una promesa que he mantenido.

🎙Mariana: De todas las canciones que has escrito, ¿cuál sientes que te representa más?
🎸Forrest: “Colorblind”, “I Wasn’t Looking for Trouble”, “Riding on the Blues Train”, “Blue Morning Sun”, “On Your Life’s Road”, “Take Me to the Country” y “Only Moments” tienen partes de mí. Cada una lleva una parte diferente de mi historia, de mi corazón, de mi camino.

🎙Mariana: Tienes una discografía muy extensa. ¿Qué canciones son tus favoritas para tocar en vivo?
🎸Forrest: “That’s My Baby”, “I Just Got In from Texas”, “Traveling South”, “Turnaround Blues”, “People I’m Hurting”, “Wish I May” y “Through These Days”. Esas canciones se sienten vivas cada vez que las tocamos: la energía del público las eleva aún más.

🎙Mariana: A lo largo de tu carrera has colaborado con muchos músicos reconocidos. ¿Qué significa para ti ser acreditado como autor del solo de guitarra en la famosa canción de Bob Seger “Old Time Rock and Roll”?
🎸Forrest: Es una sensación tremendamente buena estar asociado con el mayor éxito de Bob Seger. Ese solo me dio una nota permanente al pie dentro del 1% de los músicos exitosos en la historia del rock y aumentó instantáneamente mi credibilidad como guitarrista. Es uno de esos momentos raros que todavía resuenan.

🎙Mariana: Tu participación en la Boston Rock Symphony en 1969 ayudó a allanar el camino para tu ingreso al Salón de la Fama del Rock & Roll de Boston en 2015. ¿Cómo viviste ese reconocimiento y, mirando atrás, cuál fue la mejor parte de formar parte de ese grupo?
🎸Forrest: De hecho, leí sobre mi ingreso en internet: fue una gran sensación, un silencioso shock de orgullo. La leyenda de la armónica James Montgomery también estaba en la Rock Symphony. Durante mi tiempo en Boston, tenía amigos en la J. Geils Band, Boston y Aerosmith. Estar en la misma compañía que esas bandas es increíble. ¿La mejor parte? Estar en el escenario con ese nivel de talento, sentir que la música respiraba y saber que yo pertenecía allí.

🎙Mariana: Sobre Slingshot (antes Wadsworth Mansion): ¿Cómo fue para ti reconstruir una banda junto al músico Steve Jablecki después de que se hubiera disuelto por completo, a pesar de haber logrado un disco de oro?
🎸Forrest: Steve Jablecki (autor de “Sweet Mary”) y yo nos reunimos en Hollywood el verano después de que Wadsworth Mansion se separara. Ambos estábamos entusiasmados por volver a escribir juntos. Los productores sabían que él necesitaba una sólida dosis de rock and roll, así que me llamaron para ocupar ese lugar. Teníamos una gran química compositiva y escribimos 43 canciones juntos en dos años. En aquel entonces, el Musicians Contact Service era la forma de encontrar músicos si eras nuevo en la ciudad. Revisamos montones de fichas de archivo de 5×7 con nombres, direcciones, teléfonos, estilos y experiencia de músicos, y así encontramos a nuestro baterista y bajista. Tocamos en los clubes de Los Ángeles: Starwood, Bill Gazzarri’s y el Whisky. En Gazzarri’s rotaban tres bandas; una de ellas era Van Halen. Nos hicimos amigos y nos reímos mucho juntos. Finalmente, después de una noche increíble en el Whisky a Go Go en Sunset Boulevard, conseguimos un contrato discográfico con GRT Records.

🎙Mariana:  A lo largo de tu carrera has realizado extensas giras, por ejemplo con la Kathi McDonald Band por la Costa Oeste o con Bookends por Asia. Para ti, ¿qué distingue al público internacional del local?
🎸Forrest: La gente en Estados Unidos puede variar según la región —Noreste, Sur, Medio Oeste, Costa Oeste—, pero todos comparten la misma cultura básica. Cuando actúo en otro país es emocionante porque la cultura es diferente. En tierras extranjeras absorbo cada matiz que puedo captar de mis fans, los recintos, la gastronomía, la arquitectura y la naturaleza. Todo eso alimenta la música y hace que cada concierto se sienta como un descubrimiento.

🎙Mariana: A mediados de los años noventa fundaste tu propia banda, The Forrest McDonald Band. ¿Cuál fue lo mejor que te ocurrió como líder de banda?
🎸Forrest: Pude encabezar el Coca-Cola Riverwalk Festival en 2001 ante 200,000 personas y el Melbourne Art Festival ante 80,000 fans. Estar en esos escenarios, sentir el rugido de tanta gente… es el tipo de emoción que te recuerda por qué haces esto.

🎙Mariana: A lo largo de los años has actuado en grandes festivales como The Atlanta Blues Festival, King Biscuit Blues Festival, Bluesapalooza, entre otros. ¿Cuál disfrutaste más?
🎸Forrest: El Atlanta Blues Festival fue mi experiencia favorita; lo tengo grabado en video. Bluesapalooza también fue muy divertido. Ambos tenían la mezcla perfecta de grandes multitudes, una vibra increíble y pura energía blues.

🎙Mariana: ¿Hay algún lugar donde aún no hayas tocado en vivo y te gustaría hacerlo?
🎸Forrest: Japón, Rusia y Sudamérica.

🎙Mariana:  ¿Qué le dirías a la nueva generación de músicos de blues?
🎸Forrest: Hay muchos artistas jóvenes realmente buenos que no necesitan ningún consejo mío. Pero si alguno tuviera preguntas sobre mis experiencias, con gusto conversaría. Tres talentos destacados a los que vale la pena seguir: Christone “Kingfish” Ingram,  Harrell “Young Rell” Davenport y Angel Ocasio Jr.

🎙Mariana: Mirando atrás, ¿Qué es lo mejor o más increíble que te ha pasado en toda tu carrera?
🎸Forrest: Lo más increíble es haber podido convertir un sueño —mi visión musical— en un viaje de 62 años que me motivó a buscar lo bueno en la vida y no quedarme atrapado en la negatividad del mundo. Tocar en “Old Time Rock and Roll”, grabar 15 CDs, grabar con Steve Perry y Bobby Womack, girar por gran parte del mundo, conocer y tocar con casi todos mis héroes musicales y conectar con miles de personas interesantes en el camino… todo eso es increíble. Pero la verdadera magia es seguir tocando, seguir sintiendo esa chispa y saber que el camino continúa.
Gracias por las excelentes preguntas, fue divertido recordarlo.
¡Mantengan vivo el blues!
~ Forrest McDonald

INTERVIEW WITH PAOLO VALLERGA

 INTERVIEW WITH PAOLO VALLERGA (BAND THE EXPERIMENT NoQ) 

 *Leggilo anche in Italiano su stessa publicazione (dopo i video)

*Léelo también en Español al final de la página 

     

🎙Mariana: When did your interest in music begin? At a certain point in your creative journey you decided to give shape to a musical project like The Experiment No.Q.
How did this need to create music arise, and what were you artistically involved in during that period of your life?
🎸Paolo: Hello Mariana, first of all thank you for this opportunity to talk a bit about my artistic background. My interest in music was born, like for millions of kids, by playing at school with friends and forming a classic “garage band” together with Alessandro Sorrentino, an excellent guitarist already at a very young age, who taught me how to hold and play the instrument.
Then, at university, I moved to another city and formed another band (StiBabs), but everything always remained very much “in the drawer”. A few concerts, a few contests… but at that time I didn’t think about creating a professional project with such a broad scope.
Since I have always been more of a songwriter and storyteller than a pure musician, I kept writing pieces, songs, stories, recording riffs, lyrics and drafts, helping myself with the new computer programs that kept improving and allowed me to create more interesting demos.
Everything then evolved very quickly in 2010, when I started working with Therion on the 011 project, which included a board game, a novel and a short film. Nalle (Påhlsson, the bassist) had asked me if he could buy the hand-painted miniatures of the game from me… I found it very funny because he insisted on paying, so I told him that if it was fine with him, he could pay me by playing on a hypothetical album of mine… and he said “ok”!
Honestly, I couldn’t believe my ears, but I took it very seriously and shortly after I contacted all the high-profile musician friends I had, telling them: “I’ve written songs for an album that will feature Nalle, would you like to play on it too?”
People, convinced by my enthusiasm and by the quality of the musicians who were gradually joining the project, said yes. It was a wonderful domino effect! Mattia Garimenno from Castello di Atlante (a progressive Italian band very well known also in Central and South America), Andrea Palazzo, Marco and Sabrina Rivagli from Italy, Kevin Zwierzchaczewski from England, Nalle, Johan Kullberg and Linnéa Vikström from Sweden, Oxy Hart from France… and many others.
At that point we locked ourselves for a week in the Aenima Recordings studios, and that’s where the first album was born.

🎙Mariana: The Experiment No.Q doesn’t function like a traditional band.
Why did you choose an open, conceptual structure instead of a fixed group?
🎸Paolo: Part of the answer is already contained in the previous one. The project was born through the participation of friends, professional musicians who enjoyed working on this idea, each of them with their own commitments, bands, tours and so on. From the very beginning I knew it would be complicated to work with a fixed band.
What excited me the most, however, was that the first album worked fairly well for a small production without the push of major labels, and above all that the musicians really liked the style of my songs. So we immediately thought about a second album, and I had tons of material!
As I expanded the circle to include other important artists (whom I was, and still am, a fan of), and who also respected my work, I allowed myself to imagine the “voices” with which I wanted to bring the stories to life. So I asked others to join the project as we kept making albums.
The Experiment No.Q became a kind of growing family… Live, of course, for logistical and budget reasons, we move with a more fixed line-up.

 🎙Mariana: The name No.Q sounds almost like a manifesto.
What does it mean and what does it represent within the project?
🎸Paolo: “The number Q” represents the cornerstone of the project. Because Q is not a number, just as I am not exactly a guitarist (I surround myself with great musicians because my contribution live is rhythmic and narrative)… but if you want, it can also be interpreted as “Quantum Number”… or in many other mysterious ways… secret ones… 😄
Let’s say there is mystery, and mystery is part of the project.

🎙Mariana: From the beginning the project has had a very strong, almost theatrical aesthetic.
Was the music born together with a story, or did the narrative come later?
🎸Paolo: The project was born as the narration of a story, and as such it developed through the albums. It definitely has a strong theatrical imprint, to the point that we staged a “Musical” version. I could say the first Steampunk Metal Musical, where the dance ensemble was made up of students under 18 from a musical theater school.
The goal, however, is to eventually create a fully professional version.

🎙Mariana: In The Experiment No.Q, characters, settings and costumes seem as important as the songs.
How do you choose these visual and scenic elements?
🎸Paolo: Well, the characters follow the story… Rather, the choice of the soloists’ voices follows a very precise scheme that reflects the different souls of the protagonist and the setting.
The female voices represent inspiration, Kevin’s voice is the poetic side of the protagonist, Nalle’s voice is the Machine… and so on. Costumes, masks and graphic impact also follow the story and the “moment” in which each album is placed within the overall narrative.

 🎙Mariana: Many of your compositions have a dark, experimental and reflective atmosphere.
Which musical or literary influences were fundamental for this sound?
🎸Paolo: Who can really say… 🙂 Musically I listen to a huge variety of music, from 80s electronic music (DEVO) to 70s progressive rock (King Crimson), from Rammstein’s metal to Italian rock, to Eminem…
When the stories I listen to resonate with me, they leave a mark. In this sense, Therion left a very deep one, even though my music is very far from their atmospheres. The rest comes from my theatrical experiences and from the poems I’ve written over the years—many, varied, and generally searching for something that human beings are losing: humanity.

🎙Mariana: Working with many different musicians and collaborators, how do you maintain a clear identity within the project?
What qualities do you look for in a musician who joins The Experiment No.Q?
🎸Paolo: The only real ingredient is empathy. All the musicians who joined the project put their art at the service of a (slightly crazy) project simply because they liked the idea and we were on the same wavelength, and for that I’m infinitely grateful.
As for “musical identity”, it probably comes from the fact that the music and lyrics are mine, and the arrangements are by Mattia Garimenno (drummer and sound engineer). During the arrangement phase we try to give each song a specific imprint that also takes into account the moment in the narrative where that song is placed.

🎙Mariana: Alongside music, you are also a writer and a well-known creator of board games.
How do all these talents coexist, and which one comes first for you?
🎸Paolo: Ah ah ah… I don’t really know how I manage to keep up with all of this. I just know that when an idea comes, I can’t stop it. If it becomes a game, then let it be a game! If it becomes a song, great—and if it’s an image, it will become an image.
Board game design is a fundamental part of my work and also of my creative process, because it allows me to connect with many artists and, who knows, sometimes musical collaborations are born from that. There is a lot of chaos in my world, though—ah ah ah!

 🎙Mariana: Do you feel that you compose music in the same way you design a game, thinking about structure, tension and the audience’s experience?
🎸Paolo: No, it’s completely different. Music comes to me automatically; I don’t know where it will take me in the end, and many ideas stay there for a very long time.
Game creation, on the other hand, follows a very precise structure, with a lot of brainstorming together with the authors who help me develop it—or after they have developed it. Usually I have an idea, then if I pass it on to other authors to build the mechanics, I let them adapt their ideas to my initial concept. I return to the project later, when the first draft is ready to be tested.
In music I move forward on my own, both with lyrics and melodies. Then, once I’ve recorded a demo, I let Mattia listen to it over and over again, and he creates a second version, with small producer-like adjustments, almost never melodic or harmonic. That version is then sent to the musicians to record their parts.

🎙Mariana: Many of your games have been presented and awarded at major fairs such as Lucca Games.
What did these recognitions mean for your creative career?
🎸Paolo: A lot, of course. My very first board game, back in 2000, was awarded Best Game at Lucca Games in 2001. It was completely unexpected, because I participated only thanks to a girl who saw my game and brought it to the jury. I didn’t even know there was a jury!
That award planted the idea in my head that maybe my creativity could find an outlet. This became complete when I started creating the Heavy Metal Board Game Collection in 2011, adding musical inspiration to game narration. 011 – An Adventure with Therion won the award for Best Editorial Project, again at Lucca Games.

  🎙Mariana: 011 – An Adventure with Therion is a truly unique project.
What was the process of integrating a real metal band into a board game like?
What characteristics of Therion made you feel their characters would adapt so well to a game?
🎸Paolo: It was a combination of factors. I was writing the outline for a novel, and the music accompanying it was Therion’s entire discography—especially Gothic Kabbalah, but also Vovin, Lemuria, Sirius B, Secret of the Runes. The music inspired the pages so deeply that the protagonists began to turn into the characters of my book.
At that point I stopped everything and started thinking that maybe, before finishing the novel, a board game could come out of it. Thanks to a friend who worked with Therion’s promoters (Pamela Scavran), I had a meeting with Christofer Johnsson during the Italian tour date. As a huge fan, I simply asked him if he and the band wanted to become the protagonists of this story–board game. His response was pure enthusiasm: “Great idea.”
Christofer, who is extraordinarily creative, followed the development process, adding fundamental suggestions to the narrative. Then came the crazy idea of telling the story of the game and the novel through a video (Adulruna Rediviva), inviting the band to play their own characters.
The video tells the same story, but with completely different endings from the novel, because the idea was to recreate the board game experience: the starting elements are always the same, but every time the ending is different. Sometimes you win, sometimes I do, sometimes a character saves the world, and the next game triggers Ragnarök!
Integrating the band into this idea was very easy because they are extremely open and receptive to creative processes. Shooting the video was incredible—one week of filming, two locations per day… something that today I would only do again with four times the budget! 😄

🎙Mariana: What challenges did you face in translating a musical identity—such as that of Therion—into game mechanics and visual storytelling?
🎸Paolo: Here I relied on Marco Valtriani, a game designer I’ve worked with for many years, and who loves metal music as much as I do. I explained to him the pillars of the story I was writing, and he developed the mechanics.
But there’s one thing to say: for every Metal game in the line, we do a deep immersion (Marco even more than me, if possible) into the band’s atmosphere, lyrics and imagery, with the goal of creating a unique game that could not work for any other band.
Marco doesn’t just create mechanics—he takes my plot and stitches around it the fabric of actions, relationships and interactions that the game characters perform. The goal is to feel truly inside the world created by the band through its music. It’s a very long process, but it’s the path we chose. Therion, like the other bands, understood this, and that’s why we work in great harmony with them.

 🎙Mariana: Among all your creative projects, which do you consider your greatest challenge or your most important success?
🎸Paolo: The biggest challenge so far has been the video Adulruna Rediviva and therefore the 011 project: a novel, a board game, a short film and a comic storyboard, all born and grown in symbiosis, influencing each other visually, narratively and technically. Extremely difficult to develop, but go watch the video and tell me what you think.
If we talk about “success”, the meaning of the word changes. If you mean making money, then it was definitely a song I wrote for a very famous children’s music contest in Italy, which won the award for Best Lyrics. TV and radio airplay for a song like that brings in more money than years of work on an album! 😄

 🎙Mariana: What can we expect from The Experiment No.Q in the near future?
🎸Paolo: After various setbacks, we are about to release the new album, the fourth in the series. We truly hope it will be out before autumn 2026, so the story continues.
My dream in the drawer has always been to stage a fully professional Musical version. Years ago we staged a sort of “test” version with students under 18 from the Accademia dello Spettacolo, a musical theater school in Turin. It worked very well in terms of timing, dialogue and scenes. But the idea I have now is to have the main vocalists and a professional dance ensemble, to give it its true dimension. We’ll see—the key issue is always funding!

 🎙Mariana: In which place or context would you most like to perform with your musical project?
🎸Paolo: We’ve played in many places, including Lincoln (UK), in the wonderful context of the Asylum Steampunk Festival, in a great venue in front of an audience completely dressed in steampunk style (The Experiment has a strong steampunk identity). That’s definitely a place I’d love to return to.
But if I really had to choose, a big stage at major European festivals like Graspop, Hellfest or Wacken… well, of course, that’s where I would love to perform.

📀DISCOGRAPHY📀
📀The Black Wounds of the Experiment No.Q (2019)
📀Right After the Experiment No.Q (2016)
📀The Experiment No.Q (2014)

🎖Awards🎖

🎖 Le Saghe di ConQuest (2001) – Best of Show y Mejor Juego Autoproducido en LuccaGames.
🎖 Hystericoach (2006) – Best Family Game en LuccaGames.
🎖 011 – An Adventure with Therion (2011) – Mejor Proyecto Editorial en Lucca Comics & Games. 


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✨️Special thanks to Paolo Vallerga for sharing his vision, and valuable insights into his artistic journey and creative world.🫶

📽VIDEOS

ITALIANO

🎙Mariana: Quando è nato il tuo interesse per la musica, a un certo punto del tuo percorso creativo hai deciso di dare forma a un progetto musicale come The Experiment No.Q.
Come nasce questa esigenza di creare musica e di cosa ti stavi occupando artisticamente in quel periodo della tua vita?
🎸Paolo: Ciao Mariana, innanzitutto grazie per questa opportunità di raccontare un po' di cose riguardo alla mia formazione artistica. Il mio interesse per la musica è nato, come per milioni di ragazzi, suonando a scuola con gli amici e formando una classica “garage band” insieme ad Alessandro Sorrentino, chitarrista eccellente già da ragazzino che mi ha insegnato a imbracciare lo strumento. Poi all'università ho cambiato città e formato un altro gruppo (StiBabs), ma tutto è sempre rimasto molto “nel cassetto”. Qualche concerto, qualche concorso... ma all'epoca non pensavo di dare vita ad un progetto professionale di così ampio respiro. Ma siccome sono sempre stato più scrittore di musica e testi che musicista, ho continuato a scrivere brani, canzoni, storie, registrando riff, testi, bozze, aiutandomi con i nuovi programmi per computer che via via miglioravano e mi permettevano di creare delle demo un po' più interessanti. Poi tutto si è evoluto velocemente quando nel 2010 ho iniziato a lavorare con i Therion al progetto 011, sul gioco da tavolo/romanzo/cortometraggio. Nalle (Påhlsson, bassista) mi aveva chiesto se potevo vendergli le miniature del gioco dipinte a mano... la cosa mi fece molto ridere perché insisteva che voleva pagarle e allora gli dissi che se gli stava bene, mi avrebbe pagato suonando in un mio ipotetico album... e lui disse “ok”! Onestamente non credevo alle mie orecchie, ma presi la cosa molto sul serio e di lì a poco contattai tutti gli amici musicisti di alto profilo che avevo dicendogli: “ho scritto delle canzoni per un album su cui suonerà Nalle, ti va di suonarci anche tu?”...  e le persone, convinte dal mio entusiasmo e dalla qualità dei musicisti che via via tiravo nel progetto hanno aderito. Un effetto domino, magnifico! Mattia Garimenno del Castello di Atlante (progressive band italiana molto nota anche in centro e sud america), Andrea Palazzo, Marco e Sabrina Rivagli dall'italia, Kevin Zwierzchaczewski dall'inghilterra, Nalle, Johan Kullberg e Linnéa Vikström dalla Svezia, Oxy Hart dalla Francia... e tanti altri. A quel punto ci siamo chiusi per una settimana negli studi di Aenima Recordings e lì è nato il primo album...



🎙Mariana: The Experiment No.Q non funziona come una band tradizionale.
Perché hai scelto una struttura aperta e concettuale invece di un gruppo fisso?
🎸Paolo: La risposta, in parte, è contenuta nella precedente. Il progetto è nato sulla partecipazione di amici, musicisti professionisti che si sono divertiti a lavorare a questa idea, ma ciascuno con i propri impegni, band, tour e quant'altro. Dall'inizio sapevo che sarebbe stato complicato lavorare con una Band fissa. Però la cosa che mi ha entusiasmato di più è che il primo album ha funzionato abbastanza bene per essere una piccola produzione senza la spinta di grosse etichette, ma soprattutto che ai musicisti è piaciuto lo stile delle mie canzoni, per cui abbiamo subito pensato ad un secondo album e io di materiale ne avevo tantissimo! Avendo poi allargato un po' la cerchia di artisti importanti (di cui ero e sono fans), ma che soprattutto avevano stima del mio lavoro, mi sono permesso di immaginare “le voci” con cui volevo dar vita alle storie e quindi ho chiesto ad altri di aggiungersi al progetto via via che realizzavamo gli album. L'Experiment no.Q è diventata una specie di famiglia che cresce... Poi, dal vivo, per questioni logistiche e ovviamente di budget, ci si muove con una line-up più fissa.


🎙Mariana: Il nome No.Q suona quasi come un manifesto.
Che significato ha e cosa rappresenta all’interno del progetto?
🎸Paolo: “Il numero Q” Rappresenta il cardine del progetto. Perché la Q non è un numero, così come io non sono propriamente un chitarrista (mi circondo di grandi musicisti perché il mio apporto, dal vivo, è ritmico e narrativo)... ma volendo si può interpretare come “Numero Quantico”... o in tanti altri misteriosi modi... segreti... :D Diciamo che c'è del mistero e il mistero fa parte del progetto.


🎙Mariana: Fin dall’inizio il progetto ha avuto un’estetica molto forte, quasi teatrale.
La musica è nata insieme a una storia o la narrazione è arrivata dopo?
🎸Paolo: Il progetto nasce come narrazione di una storia e come tale si è sviluppato attraverso gli album. Ha sicuramente una forte impronta teatrale, al punto che abbiamo messo in scena una versione “Musical”. Potrei dire il primo Musical Steampunk metal in cui il corpo di ballo era composto da allievi di una scuola di musical under 18. Ma l'obbiettivo è realizzarne, prima o poi, una fersione tutta PRO.

🎙Mariana: In The Experiment No.Q i personaggi, l’ambientazione e i costumi sembrano importanti quanto le canzoni.
Com’è il processo di scelta di questi elementi visivi e scenografici?
🎸Paolo: Beh, i personaggi seguono la storia... Piuttosto la scelta delle voci dei solisti ha uno schema ben preciso che riflettono le varie anime del protagonista e l'ambientazione. Le voci femminili sono l'ispirazione, la voce di Kevin è la parte poetica del protagonista, la voce di Nalle è la parte della Macchina... e così via. I costumi, le maschere e l'impatto grafico, seguono anch'esse la storia, il “momento” in cui si colloca l'album, nell'insieme della narrazione.


🎙Mariana: Molte delle tue composizioni hanno un’atmosfera oscura, sperimentale e riflessiva.
Quali influenze musicali o letterarie sono state fondamentali per questo suono?
🎸Paolo: Eh, chi può dirlo... :) Musicalmente ascolto tantissima musica differente, dall'elettronica degli anni 80 (i DEVO) al progressive degli anni 70 (King Crimson), al metal dei Rammstein alla musica rock italiana a Eminem... Insomma quando le storie che ascolto mi piacciono, lasciano un segno e in questo senso i Therion ne hanno lasciato uno molto profondo, sebbene la mia musica sia molto lontana dalle loro atmosfere. Il resto arriva dalle mie esperienze teatrali e dalle poesie che ho scritto nel corso degli anni. Tante, varie e generalmente alla ricerca di qualcosa che l'essere umano perdendo: l'umanità.


🎙Mariana: Lavorando con musicisti e collaboratori diversi, come riesci a mantenere un’identità chiara all’interno del progetto?
Quali caratteristiche cerchi in un musicista che entra a far parte del tuo progetto?
🎸Paolo: L'unico ingrediente è l'empatia. Tutti i musicisti che sono entrati nel progetto hanno messo la loro arte a disposizione di un progetto (un po' folle) solo grazie al fatto che evidentemente gli è piaciuta la mia idea e ci siamo trovati in sintonia e di questo ne sono infinitamente grato.  Se poi parli di “identità musicale”, forse è dovuta al fatto che le musiche e i testi sono miei e gli arrangiamenti di Mattia (Garimanno, batterista e ingegnere del suono)... quindi in fase di arrangiamento cerchiamo di dare l'impronta alla canzone che deve tener conto, come dicevo prima, anche del momento in cui quella canzone si colloca, nella narrazione.


🎙Mariana: Parallelamente alla musica, sei scrittore e un noto creatore di giochi di ingegno.
Come convivono tutti questi talenti e quale occupa per te il primo posto?
🎸Paolo: Ah ah ah... Non lo so come riesco a stare dietro a tutte queste cose, so solo che quando mi viene un'idea non la posso fermare e se questa è un'idea che diventerà un gioco... che gioco sia! Se diventerà una canzone, ben venga e se è un'immagine diventerà un'immagine. La creazione di giochi da tavolo è comunque una parte fodamentale del mio lavoro e se vogliamo anche del processo creativo perché mi permette di entrare in contatto con tanti artisti e chissà, qualche volta possono nascere delle collaborazioni musicali. Nel mio mondo c'è comunque molto caos ah ah ah!

🎙Mariana: Hai la sensazione di comporre musica nello stesso modo in cui progetti un gioco, pensando a struttura, tensione ed esperienza del pubblico?
🎸Paolo: NO, nasce in maniera completamente diversa. La musica mi arriva in automatico, non so dove mi porterà alla fine perché molte idee restano lì per molto, molto tempo. La creazione di un gioco invece segue uno schema ben preciso fatto di tantissimo brainstorming con i vari autori che mi aiutano nello sviluppo oppure dopo che lo hanno sviluppato. Nel gioco, generalmente io ho un'idea poi, se decido di passare l'idea ad altri autori per costruire le meccaniche lascio loro la possibilità di adattare le proprie idee al mio suggerimento iniziale. Io torno sul progetto solo successivamente, quando secondo l'autore, la prima bozza è pronta per essere provata. Nella musica vado avanti per la mia strada, da solo, sia sui testi, sia sulle melodie. Poi quando ho registrato una demo la faccio ascoltare a Mattia e allora lui la ascolta, ri ascolta e la ri ascolta ancora realizzando una seconda versione (con piccoli  da produttore, quasi mai melodici o armonici). Questa versione viene poi mandata ai musicisti per registrare le proprie parti.

🎙Mariana: Molti dei tuoi giochi sono stati presentati e premiati in fiere importanti come Lucca Games.
Cosa hanno significato questi riconoscimenti per la tua carriera creativa?
🎸Paolo: Beh, moltissimo ovviamente. Il mio primo gioco da tavolo in assoluto, dell'anno 2000, venne premiato come miglior gioco alla fiera di LuccaGames del 2001. Un premio totalmente inaspettato perché partecipai solo grazie ad una ragazza che vedendo il mio gioco lo portò alla giuria. Io non sapevo nemmeno che ci fosse una giuria! Ah ah ah! Sta di fatto che quel premio mi mise in testa l'idea che forse la mia creatività poteva trovare uno sfogo, che è poi divenuto completo quando ho iniziato a creare la Heavy Metal Board Game Collection nel 2011, aggiungendo l'ispirazione musicale alla narrazione ludica. “011 – An Adventure with Therion” vinse il premio come miglior progetto editoriale, sempre a Lucca Games.


🎙Mariana: 011 – An Adventure with Therion è un progetto davvero unico.
Com’è stato il processo di integrazione di una vera band metal all’interno di un gioco da tavolo?
Quali caratteristiche dei Therion ti hanno fatto pensare che i loro personaggi si adattassero così bene a un gioco?
🎸Paolo: Beh, anche qui è stato un insieme di fattori. Io stavo scrivendo un soggetto per un romanzo e la musica che accompagnava questo soggetto era l'intera discografia dei Therion. Gothic Kabbalah, soprattutto, ma poi Vovin, Lemuria, Sirius B, Secret of the runes... insomma la musica ispirava le pagine del racconto al punto che i protagonisti hanno cominciato a diventare i personaggi del mio libro. A quel punto ho fermato tutto e ho cominciato a pensare che forse, prima di completare il romanzo, poteva venirne fuori un gioco da tavolo. Grazie a una amica che lavorava con i promoter dei Therion (Pamela Scavran) ho avuto un appuntamento durante la data italiana del tour con Christofer Johnsson (leader dei Therion) e, da fan sfegatato, gli ho semplicemente chiesto se, lui e la band, volessero diventare i protagonisti di questo racconto-gioco da tavolo. E la risposta fu semplice e puro entusiasmo (manifestato da Chrsitofer con un semplice: “Great Idea”). A quel punto Christofer, che è una persona straordinariamente creativa, ha seguito il processo di sviluppo del gioco aggiungendo suggerimenti fondamentali alla narrazione. Da lì i è venuta l'altra folle idea di raccontare la storia del gioco e del romanzo attraverso un video (Adulruna Rediviva) invitando la band a interpretare i propri personaggi nel gioco. Il video racconta la medesima storia ma con finali completamente diversi dal romanzo perché l'idea era quella di riproporre l'esperienza del gioco da tavolo, in cui gli elementi di partenza sono sempre gli stessi, ma ogni volta il finale è differente: una volta vinci tu, una volta io, una volta quel personaggio salva il monde e la partita successiva scatena il Ragnarök! Integrare la band in questa idea è stato facilissimo perché sono persone estremamente disponibili e ricettive ai processi creativi. Girare il video è stato incredibile, una settimana di riprese in 2 location per ciascun giorno... una cosa che oggi se dovessi rifarla ci penserei bene e potrei fare solo con un budget quadruplo! Ah ah ah!

🎙Mariana: Quali sfide hai incontrato nel tradurre un’identità musicale — come quella dei Therion — in meccaniche di gioco e narrazione visiva?
🎸Paolo: Beh, qui mi sono appoggiato a Marco Valtriani, autore di giochi con cui collaboro da tantissimi anni e che ama la musica metal come me. A lui ho spiegato i capisaldi della storia che stavo scrivendo e lui ha sviluppato i meccanismi. Ma bisogna dire una cosa: per ogni gioco Metal della linea noi facciamo (e Marco ancor più di me, se possibile) un'immersione nelle atmosfere, nelle liriche, nel'immagine della band, con l'obiettivo di creare un gioco unico e specifico che non potrebbe funzionare per altre band. Marco non crea solo delle meccaniche, prende la mia trama e ci cuce intorno esattamente il tessuto delle azioni, delle relazioni, delle interazioni che i personaggi del gioco svolgono. L'obiettivo è avere la sensazione di essere davvero dentro il mondo creato dalla band attraverso la sua musica. E' un lavoro molto lungo, ma è la srada che abbiamo deciso di seguire. I Therion, così come le altre band, lo hanno capito ed è per questo che lavoriamo in grande armonia con loro.

🎙Mariana: Tra tutti i tuoi progetti creativi, quale consideri la tua sfida più grande o il tuo successo più importante?
🎸Paolo: Beh, la sfida più grande (fino ad oggi) è stata il video di Adulruna rediviva e quindi il progetto “011”. Un romanzo, un gioco da tavolo, un cortometraggio, uno storyboard a fumetti... nati e cresciuti in simbiosi per cui ogni elemento ha influenzato gli altri a livello visivo, narrativo e tecnico. Difficilissimo sviluppare un progetto così, ma andatevi a guardare il video e ditemi cosa ne pensate. Se poi vogliamo parlare di “successo” dobbiamo declinare il significato della parola. Se ti riferisci al guadagnare soldi è sicuramente una canzone che ho scritto per un concorso musicale di bambini che è famosissimo in italia e con cui ho vinto il premio per il miglior testo. I passaggi televisivi e per radio di una canzone come quella portano più soldi di anni di lavoro su un album! :D –

🎙Mariana: Cosa possiamo aspettarci da The Experiment No.Q nel prossimo futuro?
🎸Paolo: Beh, dopo svariate traversie siamo in procinto di rilasciare il nuovo album, quarto della serie, speriamo davvero prima dell'autunno 2026, quindi la storia va avanti. Inoltre il mio sogno nel cassetto pè sempre quello di mettere in scena la versione Musical “full professional”. Anni fa abbiamo messo in scena la versione  diciamo “di prova” con la collaborazione dei ragazzi under 18 dell'Accademia dello Spettacolo, una scuola di musical di Torino, Ha funzionato molto bene, a livello di tempi, dialoghi, scene. Certo però che l'idea che ho in mente è di avere le voci principali e un corpo di ballo Professionale, in modo da dargli la sua vera dimensione. Vedremo, il punto è sempre trovare i finanziamenti!

🎙Mariana: In quale luogo o contesto ti piacerebbe suonare con il tuo progetto musicale?
🎸Paolo: Beh, tra tanti posti abbiamo suonato a Lincoln (UK) nel contesto meraviglioso dell'Asylum Steampunk Festival in un'ottima venue di fronte ad un pubblico completamente vestito steampunk (l'Experiment è un progetto con una forte connotazione steampunk) quindi quello è un bel posto dove mi piacerebbe tornare, ma se proprio dovessi scegliere un bel palco nei grandi festival europei come il Graspop, l'HellFest o Wacken... beh, ovviamente è un posto dove amerei esibirmi!




ESPAÑOL

🎙Mariana: ¿Cuándo nació tu interés por la música? En cierto momento de tu recorrido creativo decidiste dar forma a un proyecto musical como The Experiment No.Q.
¿Cómo surge esa necesidad de crear música y de qué te estabas ocupando artísticamente en ese período de tu vida?
🎸Paolo: Hola Mariana, antes que nada gracias por esta oportunidad de contar un poco sobre mi formación artística. Mi interés por la música nació, como en millones de chicos, tocando en la escuela con amigos y formando una clásica “garage band” junto a Alessandro Sorrentino, un guitarrista excelente ya desde muy joven, que fue quien me enseñó a tomar el instrumento.
Luego, en la universidad, me mudé de ciudad y formé otro grupo (StiBabs), pero todo siempre quedó bastante “en el cajón”. Algunos conciertos, algunos concursos… pero en ese momento no pensaba en crear un proyecto profesional de un alcance tan amplio.
Como siempre fui más escritor de música y de letras que músico propiamente dicho, seguí escribiendo piezas, canciones, historias, grabando riffs, textos y bocetos, ayudándome con los nuevos programas de computadora que iban mejorando y me permitían crear demos cada vez más interesantes.
Todo evolucionó muy rápido en 2010, cuando comencé a trabajar con Therion en el proyecto 011, que incluía un juego de mesa, una novela y un cortometraje. Nalle (Påhlsson, el bajista) me había preguntado si podía comprarme las miniaturas del juego pintadas a mano… la situación me resultó muy graciosa porque insistía en pagarme, así que le dije que, si le parecía bien, podía pagarme tocando en un hipotético álbum mío… ¡y dijo “ok”!
Sinceramente no podía creerlo, pero me lo tomé muy en serio y poco después contacté a todos los amigos músicos de alto nivel que conocía, diciéndoles: “Escribí canciones para un álbum en el que va a tocar Nalle, ¿te gustaría participar también?”.
Las personas, convencidas por mi entusiasmo y por la calidad de los músicos que se iban sumando al proyecto, aceptaron. ¡Fue un efecto dominó maravilloso! Mattia Garimenno de Castello di Atlante (banda progresiva italiana muy conocida también en Centro y Sudamérica), Andrea Palazzo, Marco y Sabrina Rivagli desde Italia, Kevin Zwierzchaczewski desde Inglaterra, Nalle, Johan Kullberg y Linnéa Vikström desde Suecia, Oxy Hart desde Francia… y muchos otros.
En ese punto nos encerramos durante una semana en los estudios Aenima Recordings, y allí nació el primer álbum.

🎙Mariana: The Experiment No.Q no funciona como una banda tradicional.
¿Por qué elegiste una estructura abierta y conceptual en lugar de un grupo fijo?
🎸Paolo: La respuesta, en parte, ya está en la pregunta anterior. El proyecto nació a partir de la participación de amigos, músicos profesionales que se divirtieron trabajando en esta idea, cada uno con sus propios compromisos, bandas, giras y demás. Desde el inicio supe que sería complicado trabajar con una banda fija.
Lo que más me entusiasmó fue que el primer álbum funcionó bastante bien para ser una pequeña producción sin el impulso de grandes discográficas, y sobre todo que a los músicos les gustó el estilo de mis canciones. Así que pensamos inmediatamente en un segundo álbum, y yo tenía muchísimo material.
Al ampliar el círculo de artistas importantes (de los que era y sigo siendo fan), y que además respetaban mi trabajo, me permití imaginar las “voces” con las que quería dar vida a las historias, e invité a otros a sumarse al proyecto a medida que íbamos realizando los discos.
The Experiment No.Q se convirtió en una especie de familia que crece. En vivo, por cuestiones logísticas y obviamente de presupuesto, nos movemos con una formación más estable.

🎙Mariana: El nombre No.Q suena casi como un manifiesto.
¿Qué significado tiene y qué representa dentro del proyecto?
🎸Paolo: “El número Q” representa el eje central del proyecto. Porque la Q no es un número, así como yo no soy exactamente un guitarrista (me rodeo de grandes músicos porque mi aporte en vivo es rítmico y narrativo)… aunque también se puede interpretar como “Número Cuántico”, o de muchas otras formas misteriosas… secretas… 😄
Digamos que hay misterio, y el misterio forma parte del proyecto.

🎙Mariana: Desde el inicio el proyecto tuvo una estética muy fuerte, casi teatral.¿La música nació junto a una historia o la narración llegó después?
🎸Paolo: El proyecto nació como la narración de una historia, y como tal se desarrolló a través de los álbumes. Tiene sin dudas una fuerte impronta teatral, al punto de que llevamos a escena una versión “Musical”. Podría decir que fue el primer Musical Steampunk Metal, con un cuerpo de baile compuesto por alumnos menores de 18 años de una escuela de comedia musical.
El objetivo, de todos modos, es realizar tarde o temprano una versión completamente profesional.

🎙Mariana: En The Experiment No.Q los personajes, la ambientación y los vestuarios parecen tan importantes como las canciones. ¿Cómo es el proceso de elección de estos elementos visuales y escénicos?
🎸Paolo: Los personajes siguen la historia… Más bien, la elección de las voces solistas responde a un esquema muy preciso que refleja las distintas almas del protagonista y la ambientación.
Las voces femeninas representan la inspiración, la voz de Kevin es la parte poética del protagonista, la voz de Nalle es la parte de la Máquina… y así sucesivamente. Los vestuarios, las máscaras y el impacto gráfico también siguen la historia y el “momento” en el que cada álbum se sitúa dentro de la narración general.

🎙Mariana: Muchas de tus composiciones tienen una atmósfera oscura, experimental y reflexiva.
¿Qué influencias musicales o literarias fueron fundamentales para este sonido?
🎸Paolo: ¿Quién puede decirlo…? 🙂 Musicalmente escucho muchísima música diferente: desde la electrónica de los años 80 (DEVO), el progresivo de los 70 (King Crimson), el metal de Rammstein, el rock italiano, hasta Eminem.
Cuando las historias que escucho me llegan, dejan una huella. En ese sentido, Therion dejó una marca muy profunda, aunque mi música esté muy lejos de sus atmósferas. El resto proviene de mis experiencias teatrales y de las poesías que escribí a lo largo de los años: muchas, variadas y generalmente en busca de algo que el ser humano está perdiendo: la humanidad.

🎙Mariana: Trabajando con músicos y colaboradores tan distintos, ¿cómo mantenés una identidad clara dentro del proyecto, qué características buscás en un músico que se suma a The Experiment No.Q?
🎸Paolo: El único ingrediente es la empatía. Todos los músicos que entraron al proyecto pusieron su arte al servicio de una idea un poco loca simplemente porque les gustó y porque estábamos en sintonía. Por eso les estoy infinitamente agradecido.
En cuanto a la “identidad musical”, probablemente se deba a que la música y las letras son mías, y los arreglos están a cargo de Mattia Garimenno (baterista e ingeniero de sonido), en la etapa de arreglos buscamos darle a cada canción una impronta específica, teniendo en cuenta también el momento narrativo en el que se sitúa dentro de la historia.

🎙Mariana: Además de músico, sos escritor y un reconocido creador de juegos de mesa, ¿Cómo conviven todos estos talentos y cuál ocupa el primer lugar para vos?
🎸Paolo: Jajaja… no sé bien cómo logro seguir el ritmo de todo esto, solo sé que cuando me llega una idea no puedo detenerla. Si se convierte en un juego, que sea un juego; si se transforma en una canción, bienvenida; y si es una imagen, se volverá una imagen.
La creación de juegos de mesa es una parte fundamental de mi trabajo y también de mi proceso creativo, porque me permite entrar en contacto con muchos artistas y, quién sabe, a veces de ahí nacen colaboraciones musicales. En mi mundo hay bastante caos, eso seguro.

🎙Mariana: ¿Sentís que componés música del mismo modo en que diseñás un juego, pensando en estructura, tensión y experiencia del público?
🎸Paolo: No, nace de una forma completamente diferente. La música me llega de manera automática, no sé a dónde me llevará al final, y muchas ideas permanecen ahí durante mucho tiempo.
La creación de un juego, en cambio, sigue un esquema muy preciso, con muchísimo brainstorming junto a los autores que me ayudan a desarrollarlo. Generalmente yo tengo una idea y, si decido pasarla a otros autores para construir las mecánicas, les dejo la libertad de adaptar sus propias ideas a mi propuesta inicial. Vuelvo al proyecto más adelante, cuando la primera versión está lista para ser probada.
En la música avanzo solo, tanto en las letras como en las melodías. Luego, cuando tengo una demo grabada, se la hago escuchar a Mattia, que la escucha una y otra vez y realiza una segunda versión con pequeños ajustes de productor, casi nunca melódicos ni armónicos. Esa versión se envía luego a los músicos para que graben sus partes.

🎙Mariana: Muchos de tus juegos fueron presentados y premiados en ferias importantes como Lucca Games.
¿Qué significaron esos reconocimientos para tu carrera creativa?
🎸Paolo: Muchísimo, por supuesto. Mi primer juego de mesa, del año 2000, fue premiado como Mejor Juego en Lucca Games 2001. Fue totalmente inesperado, porque participé solo gracias a una chica que, al ver mi juego, lo llevó al jurado. ¡Yo ni siquiera sabía que existía un jurado!
Ese premio me hizo pensar que tal vez mi creatividad podía encontrar un cauce. Esto se completó cuando comencé a crear la Heavy Metal Board Game Collection en 2011, sumando la inspiración musical a la narrativa lúdica. 011 – An Adventure with Therion ganó el premio a Mejor Proyecto Editorial, también en Lucca Games.

🎙Mariana: 011 – An Adventure with Therion es un proyecto realmente único, ¿Cómo fue el proceso de integrar una banda de metal real dentro de un juego de mesa?, ¿Qué características de Therion te hicieron pensar que sus personajes encajaban tan bien en un juego?
🎸Paolo: Fue una combinación de factores. Yo estaba escribiendo el argumento de una novela, y la música que la acompañaba era toda la discografía de Therion, especialmente Gothic Kabbalah, pero también Vovin, Lemuria, Sirius B y Secret of the Runes. La música inspiraba tanto las páginas que los protagonistas empezaron a convertirse en los personajes de mi libro.
En ese momento frené todo y pensé que quizás, antes de terminar la novela, podía surgir un juego de mesa. Gracias a una amiga que trabajaba con los promotores de Therion (Pamela Scavran), tuve una reunión con Christofer Johnsson durante una fecha del tour en Italia. Como fan absoluto, simplemente le pregunté si él y la banda querían convertirse en los protagonistas de esta historia-juego de mesa. Su respuesta fue puro entusiasmo: “Great idea”.
Christofer, que es una persona extraordinariamente creativa, siguió el proceso de desarrollo del juego aportando sugerencias fundamentales a la narrativa. De ahí surgió otra idea un poco loca: contar la historia del juego y de la novela a través de un video (Adulruna Rediviva), invitando a la banda a interpretar a sus propios personajes.
El video cuenta la misma historia, pero con finales completamente distintos a los de la novela, porque la idea era reproducir la experiencia del juego de mesa: los elementos iniciales son siempre los mismos, pero cada vez el final es diferente. Una vez ganás vos, otra yo, otra vez un personaje salva el mundo y en la siguiente partida se desata el Ragnarök.
Integrar a la banda fue muy fácil porque son personas extremadamente abiertas y receptivas a los procesos creativos. Rodar el video fue increíble: una semana de filmación, dos locaciones por día… algo que hoy solo repetiría con un presupuesto cuatro veces mayor.

🎙Mariana: ¿Qué desafíos encontraste al traducir una identidad musical —como la de Therion— a mecánicas de juego y narrativa visual?
🎸Paolo: En este caso me apoyé en Marco Valtriani, un autor de juegos con el que colaboro desde hace muchos años y que ama la música metal tanto como yo. Le expliqué los pilares de la historia que estaba escribiendo y él desarrolló las mecánicas.
Para cada juego metal de la línea realizamos una inmersión profunda en la atmósfera, las letras y la imagen de la banda, con el objetivo de crear un juego único que no podría funcionar para otra banda. Marco no crea solo mecánicas: toma mi trama y cose alrededor de ella el tejido de acciones, relaciones e interacciones que realizan los personajes del juego.
El objetivo es sentir que realmente estás dentro del mundo creado por la banda a través de su música. Es un trabajo muy largo, pero es el camino que elegimos. Therion, al igual que las otras bandas, lo entendió perfectamente, y por eso trabajamos en gran armonía con ellos.

🎙Mariana: Entre todos tus proyectos creativos, ¿cuál considerás tu mayor desafío o tu éxito más importante?
🎸Paolo: El mayor desafío hasta hoy fue el video Adulruna Rediviva y, en general, el proyecto 011: una novela, un juego de mesa, un cortometraje y un storyboard en formato cómic, nacidos y desarrollados en simbiosis, influyéndose mutuamente a nivel visual, narrativo y técnico. Fue dificilísimo, pero miren el video y díganme qué les parece.
Si hablamos de “éxito”, hay que definir el término. Si se trata de dinero, sin dudas fue una canción que escribí para un concurso musical infantil muy famoso en Italia, con la que gané el premio a Mejor Letra. Las pasadas en televisión y radio de una canción así generan más ingresos que años de trabajo en un álbum.

🎙Mariana: ¿Qué podemos esperar de The Experiment No.Q en el futuro cercano?
🎸Paolo: Después de varias dificultades, estamos a punto de lanzar el nuevo álbum, el cuarto de la serie. Esperamos sinceramente que salga antes del otoño de 2026, así que la historia continúa.
Mi sueño pendiente siempre fue llevar a escena una versión musical completamente profesional. Hace años montamos una versión “de prueba” con alumnos menores de 18 de la Accademia dello Spettacolo, una escuela de comedia musical de Turín. Funcionó muy bien en tiempos, diálogos y escenas. Pero la idea que tengo ahora es contar con las voces principales y un cuerpo de baile profesional, para darle su verdadera dimensión. Veremos, como siempre, el punto clave es conseguir financiación.

🎙Mariana: ¿En qué lugar o contexto te gustaría tocar con tu proyecto musical?
🎸Paolo: Tocamos en muchos lugares, entre ellos Lincoln (Reino Unido), en el maravilloso contexto del Asylum Steampunk Festival, en una excelente sala frente a un público completamente vestido de steampunk (The Experiment tiene una fuerte identidad steampunk), Es un lugar al que me encantaría volver.
Pero si tuviera que elegir, un gran escenario en festivales europeos como Graspop, Hellfest o Wacken… bueno, sin dudas, sería un sueño tocar allí.